Partimos de una época y una estética que marca la obra de Lorca para viajar a partir de ella a un mundo más atemporal, más abstracto, que sitúa la pieza en la apelación contenida en la misma a los mimbres y rituales de la tragedia clásica.

Nuestra propuesta busca encontrar un espacio de desarrollo de la acción dramática donde la época que se cuenta conviva con la época real en la que se representa. Queremos que el espectador entre en la propuesta desde su contemporaneidad, para hacer de la fábula lorquiana, un viaje escénico que construyen los actores y los recursos técnicos, pero que termina el público.

También en la interpretación buscamos esta realidad paralela en la que la potente palabra poética, en verso y prosa, forme parte de la vida contemporánea y las emociones a las que se apela al espectador desde la escena

Carlos Martín, director de  escena

Compuesta por módulos rectangulares de PVC o metacrilato, darán al espacio escénico una sensación evanescente, aprovechando para ello no solo los materiales sino también los recursos  lumínicos. coloreados a conveniencia seguirán las indicaciones del autor, habitación pintada de amarillo, de rosa, bosque, cueva,  etc.

Serán intercambiables a veces por los mismos actores, ampliando el espacio escénico según avanza el espectáculo. Y pasando de espacios más reducidos e interiores como la habitación, o la cueva. Para agrandarse después en las escenas de exteriores (patio, baile, bosque,  etc).

 Carlos Martín, escenógrafo y director

El vestuario y maquillaje estarán libremente inspirados en las pinturas de Lita Cabellut con la intención de transitar desde una estética de carácter más costumbrista hacia otra más expresionista. Ese expresionismo sería más contenido en los personajes reales, como la novia, la madre, el novio, la criada, etc. Y más intenso en los personajes simbólicos, la luna, la mendiga, los leñadores…

Ana Sanagustín y Carlos Martín, vestuarista y director

 El diseño de iluminación se basa en las propias cualidades que proporciona la escenografía y el vestuario y en parte en el tono de la interpretación conseguido a través de la puesta en escena de esta  obra.

Con esos recursos se creará un espectro de posibilidades para que cada momento pueda viajar del realismo a lo onírico y de allí al mundo de la tragedia. Viajando también de lo concreto a lo inespecífico y de lo matérico a lo volátil. Para ello se combinarán diferentes gamas de filtros o la implantación de elementos lumínicos especiales ubicados dentro de la propia  escenografía.

Una apuesta que permita el viaje emocional a través de la luz y la atmósfera y que construya una realidad paralela distinta a la cotidiana o la más convencionalmente teatral.

Tatoño Perales, iluminador

Es muy conocida la estrecha relación de Federico García Lorca con la música. Ya en 1933 lo advirtió en una entrevista, diciendo que: “ante todo, soy músico”. Federico fue intérprete de piano, investigador musical y amante y estudioso del flamenco y de la música tradicional.

Empleó numerosas canciones populares en sus obras teatrales y en los propios montajes de la Barraca, y muchas de sus obras están llenas de acotaciones musicales, generalmente incluidas de una manera muy natural y hasta necesaria.

El tratamiento musical del universo teatral lorquiano se ha realizado tradicionalmente desde el folclore andaluz, concretamente desde el flamenco y el cante jondo, cante que tanto amaba, y que el mismo Federico ayudó a fomentar y a conservar junto a Manuel de Falla en su Granada natal.

Nuestra propuesta musical intenta partir de un punto de vista diferente, buscando una sonoridad más amplia y menos localizada. La música de Bodas de sangre se aborda desde una concepción del folclore más dilatada, ibérica, pero no exclusivamente andaluza. Así, las cadencias andaluzas y los compases y escalas flamencas subyacen bajo el sonido de otro folclore más extenso y alejado en el que los acordeones, los violines, las voces femeninas, las txalapartas o la pequeña percusión tradicional se mezclan con los sonidos electrónicos y con una producción musical más contemporánea. La intención es tratar de cambiar el sonido de referencia, el enfoque, el punto de vista del espectador con el desplazamiento de la sonoridad sugerida, tratando de difuminar la localización geográfica de una de las obras teatrales más conocida y universal que alcanzó el talento del poeta.

Gonzalo Alonso, músico

Teatro del Temple, cuyo equipo estable son Carlos Martín en la dirección escénica, Alfonso Plou en la dramaturgia y María López Insausti en la producción, nace en 1994. desde entonces han ido tejiendo medio centenar de espectáculos que han consolidado un equipo humano y un sello artístico contrastado en toda la geografía nacional y con numerosas giras internacionales.

Sus piezas combinan la dramaturgia propia (con obras sobre Goya, Buñuel, Picasso o Los hermanos Machado) con la puesta en escena de autores contemporáneos (Gabi Ochoa, Luis Araújo, Antonio Orejudo o Jordi Galcerán entre otros). Sin olvidar el repertorio universal (Sófocles, Shakespeare, Lope, Cervantes, Quevedo, ,Lorca o Valle-Inclán). Con ellas ha conseguido importantes premios, como el Premio Max al Mejor espectáculo Revelación por Picasso Adora la Maar y cuatro nominaciones más, por otros tantos espectáculos. Destacan entre otros muchos de sus trabajos la puesta en escena de: Los Hermanos Machado, Edipo, Don Quijote somos todos, La vida es sueño, Transición, Luces de Bohemia, Vidas enterradas, Ventajas de viajar en tren, Buñuel, Lorca y Dalí, Macbeth y Lady Macbeth, Goya; Rey Sancho…

Han visitado 17 países distintos y viajan con sus obras por todo el territorio nacional. desde hace 20 años son compañía concertada del INAEM. Realizan también importantes coproducciones con otras compañías de diferentes comunidades autónomas (L’Om imprebís, Meridional,Teatro Corsario, Micomicón Teatro etc) como Transición, coproducido por el Centro Dramático Nacional y Vidas enterradas .

Desde 2012 gestionan, junto con la compañía Teatro Che y Moche, el Teatro de las Esquinas, espacio escénico con una sala para 500 espectadores y una escuela de artes escénicas con más de 700 alumnos. Un espacio cultural que se ha convertido en el referente escénico de gestión privada más importante de Aragón.

Teatro del Temple ha trabajado paralelamente en la preparación de diferentes eventos. desde la dirección y diseño escénico de giras para Bunbury, Loquillo y Carmen París al trabajo con compañías de danza como las de Rafael Amargo y Miguel Ángel Berna.

Como Temple Audiovisuales se han realizado producciones audiovisuales de mediometrajes, cortometrajes y spots. Entre ello cabe destacar Os Meninos do Rio que ha recibido numerosos premios y fue finalista en lo Goya 2016, y el documental El precio de la risa, sobre Paco Martínez Soria, en colaboración con el programa Imprescindibles de la 2 de RTVE.